Philips Morris Glass

Philip Morris Glass es un compositor estadounidense de música minimalista. Asistió de joven a la escuela de música Juilliard. Es relativamente conocido, pese a la complejidad de sus propuestas musicales, desde la aparición de su ópera Einstein on the Beach. Ha compuesto más de 20 óperas, largas y breves; nueve sinfonías; dos conciertos para piano y conciertos para violín, piano, timpani, saxofón y orquesta; ha puesto música a un viejo film como La bella y la bestia de Jean Cocteau. Trabaja habitualmente con el Philip Glass Ensemble. Ha colaborado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma,etc. La realización de nuevas óperas así como una dulcificación de su estilo a principios de los 80, más accesible para el gran público, hizo avanzar la fama de Glass, así como su relevancia dentro de la cultura musical alternativa. Los primeros escarceos con músicos pop (como Mike Oldfield en su LP Platinum, donde interpreta una pieza de Glass) contribuyeron a darle a conocer en círculos más amplios. Es posible que la fama a nivel mundial y cierto estatus de genio le llegara a través de la película experimental Koyaanisqatsi, dirigida por Godfrey Reggio (1981-1982) y producida por Francis Ford Coppola. Algunas piezas que no se usaron en la película (como Facades) al final aparecieron en el álbum Glassworks (1982, CBS Records), que llevó la música de Glass a un público más amplio. La "trilogía de retratos" se terminó con Akhnaten (1982–1983, estrenada en 1984), una composición vocal y orquestal cantada en acadio, hebreo bíblico y egipcio antiguo. Además, esta ópera presentaba a un actor recitando antiguos textos egipciones en el idioma del público. Glass colaboró de nuevo con Robert Wilson en otra ópera, the CIVIL warS (1983, estrenada en 1984), que también funcionó como la parte final ("la sección de Roma") de la obra épica de Wilson del mismo nombre, originalmente planeada para un "festival artístico internacional que acompañaría a los Juegos Olímpicos en Los Ángeles". La ópera de Glass y Wilson incluye música puesta a textos latinos del dramaturgo del siglo I, Séneca y alusiones a música de Giuseppe Verdi y de la Guerra Civil Americana, presentando a figuras del siglo XIX Giuseppe Garibaldi y Robert E. Lee como personajes.

Fela kuti

Primeros años y carrera:
Fela nació Olufela Olusegun Oludotun Ransome-Kuti el 15 de octubre de 1938 en Abeokuta, Estado de Ogun, Nigeria  en una familia de clase media. Su madre, Funmilayo Ransome-Kuti, era una activista feminista en el movimiento anti-colonial. Su padre, el reverendo Israel Oludotun Ransome-Kuti, un ministro protestante y director de la escuela, fue el primer presidente de la Unión de Maestros de Nigeria .Sus hermanos, Beko Ransome-Kuti y Olikoye Ransome-Kuti, ambos médicos, son bien conocidos en Nigeria. Fela era un primer primo del escritor y premio Nobel nigeriano Wole Soyinka, el primer africano en ganar un Premio Nobel de Literatura.
Fela fue enviado a Londres en 1958 para estudiar medicina, pero decidió estudiar música en lugar en el Trinity College of Music. Mientras que allí, él formó la banda Koola Lobitos, jugando una fusión de jazz y highlife.  En 1960, Fela se casó con su primera esposa, Remilekun (Remi) Taylor, con quien tendría tres hijos (Femi, Yeni y Sola ). En 1963, Fela se mudó a Nigeria, re-formado Koola Lobitos y entrenó como productor de radio para la Nigerian Broadcasting Corporation. Toco un rato con Victor Olaiya y sus All Stars.
En 1967, se fue a Ghana a pensar en una nueva dirección musical. Fue entonces cuando Kuti primero llamó su música Afrobeat. En 1969, Fela llevó a la banda a Estados Unidos, donde pasaron 10 meses en Los Angeles . Una vez allí, Fela descubrió el movimiento del Poder Negro a través de Sandra Smith (ahora Izsadore), un partidario del Partido Pantera Negro. La experiencia podría influir fuertemente en su música y puntos de vista políticos. Le cambió el nombre a la banda Nigeria '70. Pronto, el Servicio de Inmigración y Naturalización fue advertido por un promotor que Fela y su banda estaban en los EE.UU. sin permiso de trabajo. La banda se presentó de inmediato una sesión de grabación rápida en Los Angeles que posteriormente sería lanzado como el '69 Los Ángeles Sesiones

Jethro Tull

Jethro Tull es un grupo de rock progresivo británico. Su música se caracteriza por la voz, guitarra acústica,  toca la flauta, Ian Anderson que ha dirigido la banda desde su fundación, y el trabajo de guitarra de Martin Barre, quien ha estado con la banda desde 1969, después de haber reemplazado guitarrista original Mick Abrahams.
Formado en Luton, Bedfordshire, en diciembre de 1967,  toca inicialmente blues rock experimental, más tarde incorporaron elementos de la música clásica, la música popular, jazz, rock duro y el arte rupestre en su música. Durante una carrera que ha abarcado más de cuarenta años, Jethro Tull ha vendido más de 60 millones de discos en todo el mundo.

Herbert Jeffrey "Herbie" Hancock

Herbert Jeffrey "Herbie" Hancock (nacido el 12 de abril 1940) es un pianista, teclista, director y compositor. En el marco del segundo gran quinteto de Miles Davis, Hancock ayudó a redefinir el papel de una sección rítmica de jazz y fue uno de los principales arquitectos del sonido "post-bop". Fue uno de los primeros músicos de jazz para abrazar sintetizadores de música y música funky (caracterizada por golpes de tambor sincopados). La música de Hancock suele ser melódico y accesible,  ha tenido muchas canciones de "cruzar" y logró un éxito entre el público pop. Su música abarca elementos de funk y soul, mientras que la adopción de elementos de estilo más libre del jazz. En la improvisación del jazz, que posee una mezcla creativa única de jazz, blues y música clásica moderna, con estilos de armónicos muy parecidos los estilos de Claude Debussy y Maurice Ravel.
Más conocidos trabajos en solitario de Hancock incluyen "Cantaloupe Island", "Watermelon Man" (más tarde interpretada por decenas de músicos, entre ellos director de orquesta de Mongo Santamaría), "Maiden Voyage", "Chameleon", y los singles "I Thought It Was You" y "Rockit". 2007 Su homenaje río álbum: The Joni letras ganó el Premio Grammy 2008 por Álbum del Año, el segundo álbum de jazz en ganar el premio después de Getz / Gilberto en 1965.
Hancock es un miembro de Soka Gakkai Internacional. 
El 22 de julio de 2011 en una ceremonia en París, Hancock fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la UNESCO para la promoción del diálogo intercultural. Hancock recientemente se unió a la Universidad de California, Los Angeles facultad como profesor en el departamento de música de la UCLA, donde le enseñará la música jazz.

Whitesnake

Whitesnake es una banda de rock británica, fundada en 1978 por David Coverdale después de su salida de su anterior banda, Deep Purple. Su primer material ha sido comparado por los críticos a Deep Purple, pero lentamente comenzó a moverse de un estilo hard rock más comercial accesible. A finales de la década, las fortunas comerciales de la banda cambiaron y lanzaron una serie de UK top 10 álbumes, Ready an 'Willing (1980), Ven un' Get It (1981), Saints & Sinners (1982) y deslícela en (1984), el último de los cuales fue su primero en trazar en los EE.UU. y, finalmente, fue disco de platino 2x.
La banda de 1987 álbum homónimo fue su mayor éxito comercial en todo el mundo, y contenía dos grandes éxitos de Estados Unidos, "Here I Go Again" y "Is This Love", alcanzando el número uno y dos en el Hot 100. En 1988, Whitesnake fue nominado para el premio Brit por Mejor Grupo Británico. [1] Slip of the Tongue (1989), fue también un éxito, alcanzando el top 10 en los EE.UU. y el Reino Unido, y recibir una certificación de platino 2x EE.UU.. La banda se separó poco después de este lanzamiento, pero tenía una reunión en 1994, y lanzó un álbum de estudio de una sola vez, Restless Heart (1997).
Whitesnake reformó oficialmente en 2002 y han estado de gira juntos desde entonces, lanzando dos álbumes de estudio, Good to Be Bad (2008) y para siempre (2011). En 2005, Whitesnake fue nombrada la 85 ª mejor banda de hard rock de todos los tiempos por VH1.

Adiós Spinetta, adiós

Luis Alberto Spinetta, uno de los mayores referentes del rock nacional, murió tras luchar contra un cáncer de pulmón diagnosticado en julio del año pasado. Integrantes del círculo íntimo del Flaco confiaron que el artista -nunca tan bien aplicado este bastardeado sustantivo- falleció rodeado de sus hijos Dante, Valentino, Catarina y Vera. Su entorno señaló que será velado y cremado en una ceremonia privada. No se realizará velatorio ni entierro público.

Mentor de grupos esenciales desde los que fue regalando su impronta como Almendra, Pescado Rabioso, Invisible, Jade y Los Socios del Desierto y de un camino en solitario también signado por la belleza, había hecho pública su enfermedad el 23 de diciembre último, en medio de confusas versiones en torno a su salud. Lo hizo a través de una emotiva carta: “Desde julio sé que tengo cáncer de pulmón. Estoy muy cuidado por una familia amorosa y por los mejores médicos. Ante el aluvión de información inexacta, quiero aclarar que me encuentro en pleno tratamiento hacia una curación definitiva”, escribió el Flaco, autor de ese tema emblemático: “Muchacha ojos de papel”. El mes pasado, el músico se sometió a una intervención quirúrgica por una perforación intestinal por divertículos, desvinculada del cáncer, y estuvo internado en el Hospital Cemic, donde pasó su 62° cumpleaños. Desde entonces, recibió el apoyo del ambiente artístico, donde logró instalarse como un músico de referencia. El 30 de enero recibió el alta: “Evoluciona en forma favorable con la mejoría de sus parámetros clínicos”, había informado el CEMIC.

El rock argentino perdió al máximo artista de un género al que dotó de magia, innovación y sensibilidad en más de cuatro décadas de consecuente trayectoria. Su último recital fue en Chile, el 14 de junio de 2011, cuando ofreció un íntimo concierto en el que repasó parte de su extensa discografía y además homenajeó a su colega y amigo Gustavo Cerati.

Autor, guitarrista y cantante, pero también poeta y pintor, el Flaco supo colmar de una elevada concepción estética a cada uno de los pasos que dio desde su nacimiento, el 23 de enero de 1950, en Belgrano. Trazando un camino personalísimo y prolífico, el creador dio forma a una obra volcada en más de 40 álbumes donde sus canciones constituyeron un alegato estético que signó al rock argentino y lo sostuvo como un espacio fértil para la creación.

Lejos de las modas y de los vaivenes de un género que pasó de marginado y prohibido a gozar de las mieles de la difusión masiva, Spinetta sostuvo un discurso que fue, al mismo tiempo, un ejemplo de libertad y de coherencia capaz de enseñar a una legión de escuchas la necesidad de no encasillarse.

Paz-ciencia (Ciencia de la paz)

Unas de las virtudes de un gran compositor poeta es, ser conciente de que la música tiene una parte de ciencia y una de esencia.
Inevitablemente para que las dos lleguen al punto medio de encontrarse y estallar en una gran obra, es necesario ser paciente y no forzar a la inspiración, sin que ella suceda espontaneamente.
Ciertos días en los que uno necesita plasmar y siente que va a explotar de sensaciones, días intensos, experiencias,  miedos, alegrías, a veces no son el día más especial para hacerlo, no son esos días en los que los sentimientos y los pensamientos fluyen como cataratas bajando desde la cima de la mente, para ser filtrados por el corazón bajando hacia la quietud oscura y profunda del lago formando sincronizadas ondas que se dispersan toroidalmente por el espacio, ya que están atravesándonos tan vivamente la caída, están a punto de madurar para luego correr río abajo hacia la inmensa paz de lo entero que los espera con nuevas aventuras.
Encuéntrese con el momento y con la sorpresa al misterio de la espontaneidad única y propia que puede hacer aparecer un instante mucho más valioso e inolvidable de una obra de arte pura y renovadora.